Por Graciela Vázquez Moure
Hay historias en la vida que nos marcan, esos contactos que solemos tener desde niños delinean un camino. Quizás parte de esto es lo que sucedió con el destino de Emiliano Céliz, un artista, orfebre o platero como suele decir él mismo.
Su niñez transcurrió en la ciudad de Córdoba, donde nació, más precisamente en la Manzana Jesuítica, edificios de gran arquitectura, iglesias y signos de los jesuitas, su colegio los Niños Cantores, frente el teatro Rivera Indarte, símbolos históricos y la Universidad de Ciencias Exactas, Geología y Biología, donde estudió tres años. Su vida de niño y adolescente estuvo influenciada por las torres, las volutas, esos ornamentos con forma de espiral típicos de los capiteles de los edificios de antaño, un escenario que despierta ese mundo del arte que es imposible obviar en este sector de la ciudad que es Patrimonio de la Humanidad declarado por la UNESCO desde el año 2000.
Su padre era anticuario, y no es cuestión menor, cuando alguien como él se dedica en forma autodidacta a trabajar la plata. El ambiente artístico estuvo presente.
La manzana jesuitica en la ciudad de Córdoba
Yo creo que en un 60% fue una decisión personal y el otro porcentaje influyó la presencia de artistas de mi familia, ese mundo que viví de niño, porque varios se ocuparon de alertarme que había otras posibilidades que una carrera convencional”.
Emiliano siente que lo ayudó a definir su pasión por el arte la escuela de Los Niños Cantores” donde hizo la primaria “era una escuela en la que tenía las materias comunes, pero en el patio ensayaban los coros, la cabeza se forma diferente. En cuarto grado fue la primera vez que escuché la definición de música, que es el arte de combinar los sonidos, fue quizás un mensaje que me propuso preguntarme qué era el arte”.
Los talentos siempre están. Ellos deben ser desarrollados y cuando no lo hacemos no somos felices, algo se quiebra en esa misión que nos fue encomendada.
Emiliano Céliz es feliz con lo que hace, y además el oficio de orfebre le permite tener el sustento necesario para él y su familia. Hace tres lustros que vive en San Martín de los Andes.
A partir de setiembre un hecho importante surge en la vida cotidiana, tranquila y apacible que lleva en San Martín de los Andes. Se trata de una muestra en el Museo Nacional de Arte Decorativo en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. La inauguración será el 10 de septiembre y se extiende hasta fin de octubre, se presenta “Esencia del paisaje”, una muestra de objetos de plata trabajados con la técnica de «raising hammer». En ella expondrá su última colección unas 26 obras, muy distintas a todo lo que había hecho anteriormente.
En la entrevista con Desde el Sur Digital, surgieron relatos de su cambio de estilo, de su búsqueda. En medio de una tarde lluviosa de invierno, Emiliano fue desgranando ese camino que persigue objetivos, sus frustraciones cuando algo no se lograba, el encanto de descubrir que ese diseño que quería, aparecía mágicamente. Así surge siempre el hecho creativo. Nos sorprende y se apodera de nosotros.
Se trata de una muestra de grandes piezas en su mayoría jarrones, que fueron creadas a partir de un solo lingote de plata y concebidas con el uso de las más diversas herramientas y podrán ser admiradas por el público durante dos meses en el museo, lejos de su casa y de su taller rodeado de montañas y bosques, en medio del barrio de la Recoleta, en esa maravillosa casa de la familia Errázuriz Alvear, construido en 1918 e inaugurado el museo en 1937.En ese marco arquitectónico, Emiliano Céliz mostrará su arte.
“En platería no podés hacer una obra con la emoción del momento”
-¿Cuándo comenzó este camino?
.Tenía 23 años y me iba a charlar con un amigo que trabajaba metales, me dijo un día mientras charlamos ¿me das una mano? y lo hice. Me convertí en su ayudante, después fuimos socios, luego seguí solo. Eso fue hace 26 años. Seguí mi propio camino.¿Cuándo comenzó este camino?
-Los metales son hostiles y cuando están trabajados el arte es maravilloso, se puede presumir que el logro se dirime entre talento y mucho trabajo. Esto es lo que uno recibe al ver tus obras.
-El oficio de orfebre es muy complejo. Yo no fui nunca a ninguna escuela a aprender el oficio. Pero el camino es complejo. El calado, los encastres, el grabado, las técnicas de los grandes maestros que es el cincelado. Una vez hablando con Pallarols, me decía que después de 16 años de trabajar en otros talleres te podés poner el propio, Juan Carlos es la sexta generación de orfebres, él es el más artista de todas las generaciones.
-En la orfebrería no existen corrientes o escuelas artísticas ¿no?
-La orfebrería demora en la innovación del diseño, porque para una obra tardás mínimo una semana. Una de las grandes diferencias de la orfebrería con las otras artes, es la posibilidad de espontaneidad, el orfebre no puede serlo. No podés hacer una obra con la emoción de un momento. Lleva semanas. Es algo misterioso para mí este oficio. Muchos hacen lo mismo durante años, otros se renuevan. Eso es muy personal. En ese punto aparece el hecho artístico.
¿Cómo juega la inspiración?
– Está relacionado con el recibir. Yo desarrollé la orfebrería argentina, mates y bombillas, después pensé en hacer otras obras y las hice, siempre tuve problemas con el diseño, aunque tuve líneas armónicas, pero nunca quedaba conforme porque ahora descubrí después de años que lo que hacía no es algo mío. Esta nueva etapa empezó cuando vine a vivir a San Martín de los Andes. Descubrir el paisaje, sin la mano del hombre fue la clave.
-Esta última línea que desarrollaste de jarrones de plata que llevan nombres como “otoño”, “lago y bosque”, “profundidad”, plasman la naturaleza con gran simbolismo ¿cómo surgió?
– Desarrollé una idea, una vez lo escuché a Emaús Miciu explicando su obra “a mi me gustaría transmitir la emoción que tuve en ese momento” dijo por sus pinturas, y mi búsqueda era esa, esos dibujos tradicionales barrocos de la platería, esos que yo representaba me quedaron totalmente obsoletos. Ahí me di cuenta que necesitaba un nuevo estilo.
– Y dijiste ¿ahora qué?
– Y me sentí inquieto en esa búsqueda y al mismo tiempo fracasado, frustrado, yo tengo afecto al paisaje de Córdoba, pero acá en la Patagonia el paisaje se nos mete adentro, no podés estar ausente.
La contemplación se desarrolla y así surge el acto creativo.
– Sin duda. Lo que hacía era culturalmente trascendental en la orfebrería, pero mi reto nuevo fue hacer algo totalmente diferente a lo que venía desarrollando hacía muchos años. Quise piezas enteras, y con este diseño que representa esa naturaleza que nos impacta, ese paisaje que nos rodea. Así surgieron los jarrones. Donde esté la forma y el diseño moviéndose a su alrededor. Yo siento en esta nueva etapa que al no poder crear, como hizo el Creador con la naturaleza, imito, eso es lo que trato en este nuevo trabajo.
-Lo que lograste en estas últimas obras, es una gran síntesis.
– Es lo que buscaba, justamente, porque era la única manera cuando empecé a observar. Los orfebres somos hijos del barroco andino, yo desarrollé eso durante años, ahora necesitaba algo más simple, me sentí cargado como una verborragia del diseño, con esto logré esa síntesis. Tiene mucho más dinámica que mensaje concreto florido, está despojado de todo eso.
Cada obra como estas que expongo, me lleva alrededor de un mes.
-¿La muestra es individual?
– Si es individual en ese palacio que es un lugar muy especial, encontrás el arte en cada sala, mi muestra estará en el Jardín de invierno, un lugar maravilloso. El director Alberto Bellucci tuvo mucho tino con este museo de gran prestigio, la casa te abre las puertas. Es un lugar refinado, muy especial y allí estarán mis obras desde el 10 de setiembre y hasta fines de octubre.
